Trinity Audio¿Ha muerto la era del cinismo? Dos nuevos estrenos importantes sugieren que los dramas humanos sentimentales podrían estar regresando. Un gran aplauso por eso y “I Play Rocky”, así como una impactante serie documental de Hulu, una mordaz comedia de terror con una inclinación feminista, un hermoso drama independiente sobre cómo atravesar las mareas del dolor.
Jordan Firstman activa el interruptor de una premisa bastante retorcida: la del tipo “oye, ¿adivinen qué? Eres padre y aquí está el hijo que nunca supiste que tenías”. En el pasado, Adam Sandler podría haberlo protagonizado y lo más probable es que hubiera envejecido horriblemente.
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En el enriquecedor debut como director de un largometraje de Firstman, la estrella y creador de contenido de “Rotting in the Sun” y de la serie de HBO Max “I Love LA”, expone más a fondo los temas que cultivó en sus cortometrajes para crear algo que vibra con una energía cruda y embriagadora que podrías experimentar bailando hasta el cansancio en el club nocturno más popular de Nueva York, pero también con una ternura identificable que es tan conmovedora que casi te derretirás en tu asiento.
Nada parece falso o forzado a lo largo del bien escrito drama de padre e hijo de Firstman, donde el inmaduro promotor de un club y traficante de drogas de bajo nivel, Peter Green, descubre con un golpe en su puerta que un trío drogado de años atrás produjo algo increíble: Arlo. La madre del niño acaba de morir y Peter, que se divierte mucho y se siente como un producto dañado, se queda cuidando al sabio niño de 10 años de Inglaterra, un niño que es inmensamente adorable pero que es solo eso, un niño, y se mete en peleas en el parque.
Es una responsabilidad enorme para alguien a quien no le gustan demasiadas responsabilidades, pero los dos se unen a través de la música, y ese afecto y respeto mutuo solo se profundiza y crece a partir de ahí. Sí, reirás y llorarás. Puedes contar con eso. Y eso es algo bueno.
Arlo se integra en la escena de los clubes nocturnos y toca melodías con la ayuda de DJ Saffron. En manos menos hábiles, habría habido una reacción más crítica ante el consumo de drogas y las noches largas y duras, pero Firstman celebra la comunidad y la conexión en un mundo desconectado sin restar importancia a cuánto de ello puede hacer que alguien se sienta vacío.
Es un narrador natural y tiene una presencia atractiva en la pantalla, y se le ha ocurrido un papel que se adapta bien a él y demuestra que tiene un alcance más amplio, mientras Peter experimenta un cambio radical. Es una relación hermosa de observar con cada uno de estos “niños perdidos” volviéndose más completos juntos.
Los coloridos amigos de Peter, especialmente el ladrón de escenas Eldar Isgandarov como su oportunista aprovechador de un compañero de cuarto y Diego Calva como un trabajador social infantil soñador y Risin9, crean colectivamente una familia sólida y encontrada. Firstman conoce a estos personajes de principio a fin, así como la escena de los clubes nocturnos. Pero son realmente los momentos sinceros entre padre e hijo los que distinguen a “Club Kid” y nos hacen preguntarnos al final quién es el Club Kid del título.
Es sorprendente hasta qué punto el prometedor actor Anthony Ippolito habita el alma del actor y prolífico guionista Sylvester Stallone en el libro de Peter Farrelly sobre la magia del cine. Ippolito destaca la arrogancia de Stallone, su murmullo, su apariencia de tipo duro del Bronx e incluso su comportamiento acogedor, canalizando a Stallone en sus primeros años. Es tan bueno que continuamente olvidas que estás viendo a alguien más que a Stallone en esa pantalla.
Esa actuación excepcional se ve favorecida en todos los sentidos por un guión divertido y entretenido de Peter Gamble y una dirección nostálgica y enérgica de Farrelly. La trama es una lectura un poco rápida: Stallone en apuros sigue siendo ignorado y descartado como tonto debido a su apariencia y discurso, hasta que, por fin, uno de los muchos guiones que ha preparado, una pequeña película de boxeo llamada “Rocky”, capta el interés de dos productores destacados, Irwin Winkler y Robert Chartoff. Les gusta lo que han leído, pero no les gusta la insistencia de Stallone en que él, un actor principal no probado, suba al ring para interpretar a Rocky Balboa. Hay negociaciones cómicas de ida y vuelta, muchas de las cuales implican arrojar montones de dinero a Stallone para que acepte no protagonizar.
Su falta de voluntad para ceder cuando el signo del dólar sube amenaza todo el asunto, y en esta era en la que los multimillonarios gobiernan el mundo, es innegablemente atractivo ver a alguien defender sus principios. Otra parte atractiva de la película muestra al elenco y al equipo con problemas de liquidez, a instancias del director John G. Avildsen, corriendo por toda Filadelfia para filmar y terminar la película a tiempo para los mostradores.
El cineasta ganador del Oscar Farrelly sabe el momento adecuado para convocar la canción “Gonna Fly Now” que eleva el espíritu y darle al público exactamente lo que están pidiendo a gritos: recrear la escena clásica de Rocky con sudadera gris corriendo por esos escalones y levantando los brazos en señal de triunfo. Es un momento cinematográfico imborrable y estimulante que se recrea con mucho corazón y afecto.
Como todo lo demás en “I Play Rocky”, las actuaciones secundarias son magníficas. También lo es la banda sonora general, el adorable perro y esas florituras de los años 70.
“I Play Rocky” se deleita con todo eso y su amor por las películas y las historias de los desamparados; nos recuerda por qué nos enamoramos de “Rocky” en primer lugar. “Soy la persona más cuerda que he conocido jamás”, opina la institutriz Winifred Notty en la voz en off inicial de la perversa y mordaz adaptación del director Zachary Wigon del elogiado thriller feminista de Virginia Feito.
Notty, por supuesto, está desquiciada, hasta el punto de que colecciona partes espantosas de cuerpos y luego las guarda en su habitación en una mansión inglesa de 1858, donde se le encarga cuidar al desdichado hijo y a la hija de una pareja adinerada que aplica un sistema de castas. ¿Pero es ella una loca en toda regla?
Cuando llegas a la sangrienta conclusión de la devastadora destrucción de una sociedad patriarcal por parte de Feito donde los hombres reinan, a las mujeres se les dice que se abstengan y solo a los herederos varones se les permite importar, sospechas que tal vez, solo tal vez, haya una pizca de verdad en lo que afirma Winifred. De lo contrario, la venganza puede ser catártica cuando está dirigida a alguien que defiende que “¡ninguna buena doncella debería tener aspiraciones creativas!
Contada en capítulos y con un aspecto casi tan majestuoso como una producción de Jane Austen, la diabólica comedia de terror de Wigon critica una sociedad injusta y ofrece amplias oportunidades para que dos actores fantásticos se desaten: Monroe, que muestra una sonrisa de Joker y se contrae y tiene tics faciales en los momentos correctos, pero nunca se excede, y Wilson, que es tan buena siendo paranoica y cómplice incluso si es un subproducto de su condición femenina. Sin embargo, se mantiene y falla un final de sueño febril que, honestamente, funcionaría mejor en la página que en la película.
Es fácil de perdonar, ya que “Victorian Psycho” da golpes saludables a un objetivo que lo merece hasta el punto de que al final uno se pregunta quiénes son los verdaderos psicópatas que cortan a otros. La docuserie de tres episodios de Hulu produce tantas sorpresas y deja boquiabiertos como “El Rey Tigre” de Netflix y, de hecho, levanta las cejas en “Puedes verlo todo”.
“Se adentra de lleno en la manósfera sórdida y qué lugar tan aterrador y desquiciado es para visitar. Casi quieres darte una ducha después. Expone una tendencia desagradable y perturbadora en la influencia social, una que se alimenta de tipos emocionales inestables y ensalza las virtudes de volverse grande, fuerte y desagradable de la manera más antinatural posible.
La directora Stacey Lee nos sumerge en este pantano indecoroso donde se promocionan los fertilizantes y la insulina para desarrollar músculo con medicamentos para mejorar el rendimiento y biohacks que gobiernan el día. Se centra principalmente en el Dr. Tony Huge, ex residente del área de Sacramento, y su increíblemente exitoso equipo en línea, Enhanced Athlete. Él discipula a quienes se inyectan e ingieren cosas que no están aprobadas. El alcohol, sin embargo, está mal visto.
Hughes es un trabajador y tiene un “harén” en Tailandia, donde ahora vive y ha atraído la atención y, en ocasiones, la residencia de algunos de los influencers más destacados del movimiento Looksmaxxing, incluidos Clavicular y el fallecido Connor Murphy, entre otros. La serie de Lee se vuelve progresivamente más oscura a medida que conocemos a los numerosos asociados de Hughes, incluido el alguna vez popular Leo & Longevity, algunos de los cuales terminaron muertos o desaparecidos.
¿Hubo juego sucio involucrado? ¿Fueron estas muertes atribuibles a un movimiento masculino máximo donde volverse viral y lograr riqueza y bebés significa más que cualquier otra cosa? Esas preguntas no se resuelven del todo y acechan durante el proceso y después. Lee hace un trabajo valiente al llamar a la alfombra al Dr. Tony Huge y a otros.
Cualquiera que tenga un hijo adolescente debería ver al menos uno o dos episodios para ilustrarse, dado que al Dr. Tony le gusta atraer a los jóvenes. Dado que el alcance de la manosfera parece no tener límites y no se han aplicado frenos definitivos para detener su trayectoria, esto es una llamada de atención no sólo para los padres sino para todos los que recurren a los llamados “expertos” que carecen de credibilidad y ética.
No existe una forma correcta o incorrecta de llorar, la única constante es la necesidad de dejarse llevar y llorar. Cuánto tiempo lleva eso y cómo avanzamos para llenar los espacios y los agujeros vacíos que quedan dentro y alrededor de nosotros después de la partida abrupta de alguien es en parte de lo que se trata el complejo drama de Kelly O’Sullivan y Alex Thompson, y se distingue de otros dramas sobre la mayoría de edad.
Al igual que con su película anterior, “Ghostlight” de 2024, los personajes que crean en “Mouse” experimentan tristeza y dolor y luchan por superarlos. No hacen las cosas correctas y no siempre actúan de la manera que otros consideran aceptable, y eso es lo que hace que “Mouse” sea una experiencia tan humana y humana. Estamos en 2002 y el lugar es Little Rock, Arkansas, en la cúspide de la feliz ocasión en la que termina la escuela secundaria y comienzan las vacaciones de verano.
Un trágico accidente automovilístico destruye eso al sorprender a la comunidad con la noticia de que la radiante adolescente Callie, alguien a quien todos amaban, ha muerto. Su muerte impulsa a dos personas que sentían más por ella –la madre “perfecta” Helen y su amiga íntima pero socialmente incómoda Minnie, también conocida como “Mouse”– a acercarse, tal vez demasiado, por su propio bien.
Minnie comienza a pasar más tiempo con Helen en su casa señorial y hace caso omiso de su madre Barbara, menos peinada. Se podría esperar una pelea prolongada entre estas dos mamás, pero “Mouse” es mucho más real y empática, pero a veces también tiene un humor negro.
Es una película digna de apreciar porque en realidad aprecia a las personas llamadas “peculiares” que intentan descubrir hacia dónde se dirige su vida y, sin saberlo, enseñan a otros la lección de que ser diferente no es algo malo. Para una película que gira en torno a una muerte, “Mouse” celebra el desorden, las crueldades y las alegrías de la vida y cómo las conexiones pueden conducir a una mejor comprensión de quiénes somos y quiénes son las personas que nos rodean.
Es otra joya de dos apasionantes cineastas independientes que muestran gran cuidado y compasión por todos los personajes multifacéticos que crean con tanta gracia. Póngase en contacto con Randy Myers en [email protected].
